Laura Cristina Braga Lima (Governador Valadares, Minas Gerais, 1971). Artista visual. Reconhecida por ser a primeira artista brasileira a ter obras adquiridas por um museu brasileiro, o Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM-SP), na categoria Performance, em 2000. Sua obra é apresentada com seres vivos como matéria e rejeita categorias cristalizadas no vocabulário de arte.

Radicada no Rio de Janeiro desde o final da adolescência, gradua-se em filosofia na Universidade Estadual do Rio de Janeiro (Uerj), simultaneamente aos estudos na Escola de Artes Visuais do Parque Lage (EAV Parque Lage), de 1991 a 1994. Com a interseção entre filosofia e artes visuais, constrói as bases de seu pensamento, criando um aparato teórico e prático que explora conceitos como carnalidade, representação e ornamentação. 

Vaca da Montanha (1994) é uma obra emblemática do início de seu processo artístico. Apresentada em sua primeira exposição coletiva, Solstício, realizada na Praia do Arpoador, em Ipanema, a artista leva uma vaca da montanha para passar um dia numa praia urbana. Ao final do dia, o músico e escritor Jorge Mautner (1941) toca violino para a vaca. Laura argumenta que o deslocamento e a imagem do animal são marcos para o início de seus trabalhos com seres vivos, depois de um período de experimentação inicial com coisas mortas e putrefatas.

Interessada pela história da arte, Laura Lima busca questionar os cânones por meio do desenvolvimento de um léxico próprio. Devido à sua formação sem uma ênfase técnica, cria processos que trabalham mais densamente a parte simbólica e conceitual da obra, por meio de um sistema de anotações de desenhos e palavras e um glossário intrínseco, em que busca definir suas intenções de mundo e paradoxos. A obra com a vaca, as anotações e a filosofia conformam o início do que vem a se tornar a equação Homem=carne/Mulher=carne (1994), um conjunto de diversas obras em que a presença é delegada a outros seres vivos, especialmente humanos, e que trata da carnalidade da existência, das coisas e do mundo. Os seres que participam recebem tarefas a serem cumpridas e são entendidos como matéria=carne, hierarquicamente iguais aos demais aparatos que compõem a obra.

É importante mencionar que há uma ética: as instruções são transmitidas por meio de partituras, elaboradas especificamente para cada obra, nunca são ensaiadas e ocorrem pela primeira vez diante do público, abertas ao tempo presente. Deste conjunto, destaca-se Homem=carne/Mulher=carne – Puxador Paisagem (1999-2013), na qual um homem nu tem os ombros envoltos em uma fita resistente, que por sua vez se ramifica em outras fitas idênticas, fixadas em pontos da arquitetura e da natureza ao redor, formando uma teia que tensiona as paredes do museu e a paisagem exterior. Dois alicerces se confrontam e se unem em um só vetor. Ambos são matéria e se equivalem no momento que se tornam imagem. O homem empenha-se, com força, em puxar a paisagem para dentro do museu, questionando os limites da instituição e o campo de visibilidade da arte. O labor do homem=carne é inútil e fadado ao fracasso. Seu esforço insistente, porém, não deixa de desenhar no espaço a possibilidade de transformá-lo radicalmente, como se quisesse mostrar o avesso da cena.

A pesquisa da artista evidencia um modus operandi que ultrapassa a formalidade dos suportes, para inseri-los em uma discussão mais ampla sobre como o comportamento humano reage à complexidade das relações sociais. Nesta esteira, destaca-se a obra site-specific The Inverse (2016), realizada no átrio do Institute of Contemporary Art [Instituto de Arte Contemporânea], em Miami. Cordas de náilon trançadas envolvem as vigas do átrio e, à medida que o emaranhado vai se desfazendo, um único fio conduz o espectador para um par de pernas abertas femininas que está deitado sobre o chão e emerge da parede. A mulher está pela metade e sua vagina se conecta ao espaço. Seu corpo, da cintura para cima, está oculto, “dentro” da parede, como em Biombos (2009), obra na qual braços e mãos saem das paredes para realizar tarefas simples, como desenhar e bater palmas. 

Laura participa de importantes bienais nacionais e internacionais, como a Bienal de São Paulo (2006 e 2013), a Bienal de Lyon (2011) e a Bienal de Habana (2012). É cofundadora da galeria de arte A Gentil Carioca (2008), com os artistas Ernesto Neto (1964) e Márcio Botner (1970). Em 2014, é contemplada com o Bonnefanten Award for Contemporary Art (BACA), o mais prestigioso prêmio holandês dado a um artista internacional.

Por meio de uma pesquisa que explora o insondável e escorregadio universo dos seres vivos, Laura Lima questiona conceitos tradicionais e desafia o papel do corpo no contemporâneo, acessando um vasto repertório de suportes, trabalhados no campo ampliado pela artista.